Die Food-Fotografie hat in den letzten Jahren ein neues Leben erhalten. Es ist nicht länger die Nische von Kochbüchern und Menüs in billigen Restaurants - soziale Medien haben die Lebensmittelfotografie zu einem der beliebtesten Genres in der Kunstform gemacht, wobei das Kochen (und sogar Essen) des Essens oft zweitrangig ist.
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Die derzeitige Lockdown-Situation macht die Food-Fotografie für frustrierte Fotografen, die nicht in die reale Welt gelangen können, zu einer noch attraktiveren Wahl. Mit wenig mehr als Ihrem Kernkamera-Kit und Ihren Küchenoberflächen können Sie einige wirklich lecker aussehende Aufnahmen erstellen.
Während die allgemeinen Prinzipien viel mit Stillleben und Produktfotografie zu tun haben, hat das Fotografieren von Lebensmitteln viele eigene Fallstricke. In jedem Fall benötigen Sie solide Grundlagen der fotografischen Theorie und Technik - und natürlich macht Übung den Meister! Genau wie beim Kochen Ihres Lieblingsgerichts kann es viel komplizierter sein, die Dinge richtig zu machen, als es scheint.
Um Sie auf den richtigen Weg zu bringen und Ihre kulinarischen Kreationen festzuhalten, sind wir mit dem professionellen Food-Fotografen Ewen Bell in die Küche gegangen, um sowohl die Ausrüstung als auch die Schlüsselqualifikationen zu untersuchen, um Aufnahmen zu machen, die für die Augen genauso eine Augenweide sind wie für die Bauch…
1. Arbeiten Sie bei gutem Licht
Der häufigste Fehler ist der Versuch, schönes Essen bei schlechtem Licht zu schießen. Kameras sehen Licht, keine Motive, auch wenn dieses Motiv köstlich ist!
Food-Fotografie beginnt immer mit dem Licht. Das perfekte Licht ist weich, reichlich und abgewinkelt. Sie möchten viel Licht zum Spielen haben, aber Sie möchten definitiv nicht, dass direktes Sonnenlicht auf die Szene fällt. es ist zu hart und zu kontrastreich Der beste Tisch im Restaurant hat einen Fensterplatz mit hellem Tageslicht draußen und nur gefiltertem Licht.
Dieses Szenario verwandelt das Fenster in eine große Softbox, die den Tisch mit nützlichem Licht füllt, das eine Reihe von Aufnahmewinkeln bietet. Der Ausgangspunkt besteht darin, in einem Winkel über die Lichtquelle zu schießen. Dieser Winkel bietet einen ausreichenden Kontrast, um Details in der Szene sichtbar zu machen, und bringt die Farben zum Vorschein. Sie müssen die gegenüberliegende Seite der Szene nicht mit einem Sprungbrett oder einem Füllblitz ausfüllen, da Sie unterbelichtete Bereiche der Rohbilder beim Verarbeiten der Dateien aufhellen können - dies ist häufig schneller und präziser. Optimieren Sie die Rohdateien, anstatt zu versuchen, sie in der Kamera perfekt zu machen.
Wenn Sie Ihren Blickwinkel ändern, erzeugen Sie eine andere Lichtqualität für die Szene. Je mehr Sie ins Licht schießen, desto mehr Kontrast und Drama bauen Sie auf. Der Farbreichtum wird verringert, Schwarztöne werden gehärtet und einige Bereiche können sogar ausblasen. Dies ist für den Zweck des Stils akzeptabel, wenn Sie nach Drama suchen.
Wenn Sie alternativ Ihren Winkel ändern, damit das Licht etwas mehr von hinten kommt, füllt sich die Szene stärker aus und der Kontrast wird flacher. Indem Sie den Winkel steuern, in dem Sie relativ zum Fenster aufnehmen, steuern Sie auch Kontrast und Farbe - selbst wenn das Licht sehr, sehr weich ist.
Es spielt keine Rolle, wie gut Ihr Essen auf einem Teller aussieht, wenn das Licht für Sie nicht funktioniert - gutes Essen bei schlechtem Licht führt zu fehlgeschlagenen Fotos. Im richtigen Licht hingegen kann fast jede Szene einladend wirken.
2. Bearbeiten Sie Ihre Aufnahmen
Die Behandlung Ihrer Raw-Dateien ist genauso wichtig wie die Aufnahme. Die natürlichsten Farben resultieren oft daraus, dass die Sättigung gemildert oder sogar ein wenig zurückgezogen wird. Wenn Sie Probleme mit der Farbbalance haben, ist die Sättigung wahrscheinlich zu hoch eingestellt.
Bei sehr flachem Licht müssen Sie möglicherweise den Kontrast etwas erhöhen, um den Kanten Härte zu verleihen. Wenn Sie den Kontrast nur am schwarzen Ende des Histogramms hinzufügen, bleiben die Töne an anderer Stelle in der Szene erhalten.
Zusätzlich können Schattendetails angehoben werden, um die Szene auszugleichen. Stellen Sie sicher, dass Sie selektive Anpassungen vornehmen, um die Belichtung oder mehr Schattendetails hinzuzufügen, wenn kritische Elemente im Schatten verloren gehen.
3. Betrachten Sie Flash
Das Problem bei der Aufnahme von natürlichem Licht beim Fotografieren von Lebensmitteln ist, dass es nicht immer so natürlich ist. Farbstiche können von Bäumen im Freien über die Szene geworfen werden, Innenleuchten können dem Raum Farbflecken hinzufügen und die Bewegung von Wolken im Laufe des Tages kann zu dramatischen Änderungen des Kontrasts und der Farbtemperaturen führen.
Sie werden nie ein schönes, sauberes weißes Licht bekommen, wenn Sie nicht Ihr eigenes mitbringen. Flash-Ausrüstung verleiht Ihrer Fotografie Konsistenz und reduziert den Verarbeitungsaufwand. Zuverlässige Blitzgeräte liefern von Bild zu Bild die exakte Farbe und Lichtmenge. Wenn Sie Inhalte über mehrere Tage hinweg aufnehmen, aber das Erscheinungsbild jedes Frames konsistent sein müssen, ist Studio Flash der richtige Weg.
Abgesehen davon, dass Sie sehr praktisch und zuverlässig sind, können Sie sich auf Ihre Kreativität konzentrieren, sobald Sie Ihre Blitzausrüstung unter Kontrolle haben. Die Skalierung ist hier entscheidend. So wie wir auf dem Fensterplatz eines Restaurants weiches, reichlich vorhandenes, abgewinkeltes Licht genießen, versuchen wir, im Studio das gleiche Ergebnis zu erzielen.
Es ist eine große Softbox erforderlich, die von einer ausreichend leistungsfähigen Lichtquelle gespeist wird. 100 W Blitz sind mehr als genug, um eine Tischszene aufzunehmen und Momente der Inspiration darin hervorzurufen.
Batteriebetriebene Blitzgeräte können die Arbeit erledigen, aber Sie verbrennen die Batterien und sie regenerieren sich schmerzhaft langsam, wenn der Strom verbraucht. Für den gleichen Preis wie ein anständiges Blitzgerät können Sie Monoblock-Kits kaufen, die eine Steckeinheit mit eingebautem Empfänger bieten. Schließen Sie einfach das Stromnetz an und schieben Sie die Auslöseeinheit auf Ihre Kamera. Dann können Sie loslegen.
Eine zuverlässige Lichtquelle ist unerlässlich, ebenso wie die Überlegung, wie Sie das Licht formen möchten. Softboxen für die Lebensmittelfotografie sollten sehr groß sein und eine großzügige interne Diffusion bieten. Sie müssen die Softbox so nah wie möglich an die Szene bringen, um das Licht so diffus wie möglich zu halten.
Wenn Ihre lichtformenden Boxen nicht weich genug sind und zu viel Kontrast in die Szene gelangt, fügen Sie einfach einen zusätzlichen Streuschirm zwischen dem Lebensmittel und dem Blitz hinzu.
4. Bewegung stoppen
Die gleichmäßige Beleuchtung durch Studioblitzgeräte eignet sich perfekt für kurze Stop-Motion-Clips der schrittweisen Montage oder Präsentation einer Schüssel.
Sperren Sie die Kamera auf einem Stativ und sperren Sie den Fokus und die Belichtung - diese müssen für jede Szene gleich sein. Nehmen Sie kleine Anpassungen zwischen den Bildern vor, um eine bewegte Szene nachzuahmen.
Verarbeiten Sie die Rohdateien perfekt, bevor Sie die einzelnen Bilder ausgeben. Bringen Sie dann die Standbilder in Ihr Videobearbeitungswerkzeug und verwenden Sie weiche Übergänge, um die Bewegung zu glätten.
5. Die ganze Magie geschieht bei 50 mm
Das Sichtfeld eines 50-mm-Objektivs ist der ideale Ort für Stilllebenfotografie, einschließlich Lebensmittel. Wenn Ihr Sichtfeld größer wird, z. B. 35 mm, treten Perspektivprobleme auf. Je breiter Sie fotografieren, desto näher müssen Sie kommen, was die Perspektive weiter übertreiben kann. Es wird auch schwierig, den Hintergrund mit einem breiteren Objektiv zu steuern. Sie möchten nicht immer, dass der Rest des Raums in den Rahmen gezogen wird.
Das Eingrenzen des Sichtfelds mit einem Teleobjektiv kann ebenfalls ein Problem sein. Längere Brennweiten wie 100 mm komprimieren die Szene - Sie können das Gefühl für Tiefe verlieren und Ihre Kompositionen können flach aussehen. Längere Objektive verursachen auch logistische Probleme, wenn Sie auf engstem Raum arbeiten, da Sie möglicherweise nicht genügend Platz haben, um für eine Aufnahme weit genug zurückzutreten.
Alles funktioniert viel besser, wenn Sie mit 50 mm beginnen. Wenn Sie mit einem Vollbildsensor fotografieren, besteht der andere Vorteil von 50 mm darin, dass es auf dem Markt viele erschwingliche Primzahlen gibt.
Eine Blende von 1: 2 ist ideal und es ist verlockend, eine 24-70 mm 1: 2,8 zu verwenden, wenn Sie bereits eine haben, aber dann werden Sie nicht die volle Wirkung eines erstklassigen Objektivs bei 1: 2 genießen - und Sie Sie müssen sich auch mit einem großen, klobigen Objektiv auseinandersetzen, das Ihren kreativen Prozess belasten kann.
Das äquivalente Objektiv für APS-C-Kameras ist ein 35 mm 1: 1,4 oder für Micro-Vier-Drittel-Kameras ein 25 mm 1: 1,4. Je kleiner Ihr Kamerasensor ist, desto größer ist die Schärfentiefe, die Sie bei einer bestimmten Blende erhalten. Sie können also versuchen, mit diesen kleineren Kameragehäusen bis zu 1: 1,4 anstatt 1: 2 zu experimentieren. Der Unterschied zwischen f / 2 und f / 2.8 ist für Hintergrund-Bokeh signifikant und bei f / 4 noch ausgeprägter.
Bei flachen Aufnahmen geht es darum, die Aufmerksamkeit auf ein Element in der Szene zu lenken, und das Ausmaß, in dem Sie den Rest der Szene wegschmelzen, ist für Ihre Komposition von entscheidender Bedeutung.
Ihre Schärfentiefe vergrößert sich, wenn Sie ebenfalls vom Motiv zurücktreten. Je größer die Szene ist, die Sie mit 50 mm aufnehmen, desto weiter südlich müssen Sie möglicherweise die Blende fallen lassen, um den gewünschten Grad an Unschärfe zu erzielen.
Das Aufnehmen mit 1: 4 mag dramatisch aussehen, wenn Ihr Rahmen die Größe einer Teetasse hat, bietet jedoch keine Auswirkung, wenn Sie einen Schritt zurücktreten, um eine vollständige Tabelleneinstellung zu erfassen.
6. Betrachten Sie die Skalierung
Wenn wir ein Objektiv in der Hand haben, neigen wir dazu, weiter nach innen zu treten und zu versuchen, die Komposition zu straffen, indem wir alle Dinge herausschneiden, die wir in der Szene nicht wollen. Dies ist ein reduktiver Prozess. Wir haben sehr vereinfachte Kompositionen und keine Ahnung, wo wir falsch gelaufen sind.
Der Trick, um mit Stillleben und Essen reichhaltigere und detailliertere Kompositionen zu schaffen, besteht darin, einen Schritt zurückzutreten und mehr in den Rahmen zu bringen, nicht weniger. Es geht nicht nur um eine andere Linse, es geht um eine andere Perspektive. Größer denken ist besser. Wir sind besessen von dem, was auf dem Teller steht, ohne zu bemerken, dass es eine größere Szene gibt.
Wenn Sie ein wenig zurücktreten, schießen Sie auf den Tisch, nicht auf die Schüssel. Jetzt haben Sie Optionen für Ihre Kompositionen. Wenn Sie etwas weiter zurücktreten, haben Sie ein Restaurant, nicht nur den Tisch. Auf jeder Skalenebene erhalten Sie verschiedene Optionen für die Komposition.
Wenn Sie zurücktreten, können Sie das Gericht in einen größeren Kontext stellen und Raum für ein Gefühl von Ort schaffen. Wenn Sie im Studio arbeiten, ist es ein häufiger Fehler, die Skala klein zu halten. Wenn Sie sich auf einen Bruchteil einer Bank oder ein kleines Stück Sperrholz beschränken, das Sie so bemalt haben, dass es wie verwittertes Holz aussieht, schränkt dies auch Ihre Kreativität ein.
Für große Ergebnisse müssen Sie größer denken als ein Brotkasten. Wenn Sie den Maßstab Ihrer Schießzone erweitern, können Sie auch Platz für mehrere Gerichte schaffen. Eine Platte bietet weit weniger Optionen als zwei oder drei.
Mit mehreren gleichen Gerichten auf einem Tisch oder einer Studiobank schaffen Sie das Potenzial für geschichtete Kompositionen. Wenn Sie sich bewegen, werden Sie Aufnahmen in der Szene finden, und diese Vielfachen eines Gerichts geben Ihnen mehrere Momente der Inspiration.
7. Fügen Sie eine kleine Aktion hinzu
Stillleben muss nicht still sein, wenn es um Essen geht. Holen Sie sich ein wenig Bewegung in die Szene und erwecken Sie sie zum Leben. Das Erfassen von Bewegungen in Ihren Szenen trägt zu einer guten Komposition bei - zum Beispiel das Eingießen von Flüssigkeiten, das Aufsteigen von Dampf aus heißen Gerichten oder einfach das Einstreuen von Salz auf eine Schüssel.
Darüber hinaus sind die Zubereitung von Speisen und die Personen, die sie zubereiten, großartige Elemente für eine Fotoserie. Chaotisch ist Magie; Ein Gefühl für das Chaos in einer Küche oder Zutaten auf einer Werkbank sorgen für zusätzliches Interesse.
8. Gestalten Sie die Aufnahme
Der Aufbau einer interessanten Komposition erfordert ein Spektrum von Ansätzen, mit Food-Styling an einem Ende und Fotojournalismus am anderen. Sie können entweder mit Requisiten und Styling genau die gewünschte Szene von Grund auf neu erstellen oder nach Momenten in einer Szene suchen, die bereits in der realen Welt vorhanden ist. Die besten Ergebnisse werden oft aus einer Kombination der beiden erzielt.
Styling ist eine engagierte Fähigkeit - bei einem kommerziellen Shooting kann der Stylist tatsächlich mehr verdienen als der Fotograf. Stylisten liefern ihre Requisiten und Ideen, und normalerweise liegt das Konzept des Gesamtshoots am schwersten in ihren Händen.
Der Fotograf muss seine Führung übernehmen, das Licht zu seinem Vorteil manipulieren und sicherstellen, dass die endgültige Szene technisch kompetent ist.
Als Fotograf ist es eine Freude, mit einem guten Stylisten zusammenzuarbeiten, weil er so viel kreative Last trägt. Wenn der Stylist die Szene vorbereitet, können Sie Ihre Aufmerksamkeit auf die Aufgabe richten, die ideale Komposition zu finden - für eine Person kann es anspruchsvoll sein, sowohl mit der Fotografie als auch mit dem Styling umzugehen, da Ihr Gehirn zwischen zwei Aufgaben und Ihnen springt ist möglicherweise auch nicht in der Lage, zu Ihrer Zufriedenheit erfolgreich abzuschließen.
Wenn Sie vor Ort fotografieren, ist es wichtig zu berücksichtigen, wie viel des ursprünglichen Charakters aus dem Restaurant oder der Küche Sie in die Bilder einfließen lassen möchten. Fotojournalismus-Gebote schreiben vor, dass Sie die Natur Ihres Motivs offenbaren, während Styling ein Versuch ist, es durch Kunst zu schaffen. In der Praxis gibt es immer einen Grad von beidem.
Ich fotografiere gerne in der Szene, wenn ich ein Restaurant oder einen anderen Ort besuche. Ich bitte die Mitarbeiter, Tische wie für Gäste zu decken und Gerichte mit eingegossenen Weinen zu präsentieren - ich möchte sehen, wie sie ihre Arbeit präsentieren. Mit einem vollständig gekleideten Tisch beginne ich dann, nach Elementen innerhalb der Szene zu suchen.
Ich suche einen „Helden“ und grabe Kompositionen aus, die mehrere Elemente durchdringen. Und dann könnte ich anfangen, den Tisch ein wenig zu stylen - nicht viel, nur ein wenig. Ich nehme Anpassungen vor, entferne Ablenkungen und füge dem Hintergrund Ebenen hinzu. Ich mache das mit Location-Shootings und wenn ich mit einem Stylisten im Studio arbeite.
Das Zusammenführen dieser beiden Ansätze führt zu einer Vielfalt der Bilder, die Sie sammeln können, und öffnet die Tür zu innovativen Kompositionen, die sich unerwartet lohnen.
9. Denken Sie daran, Requisiten zu verwenden
Der Schlüssel zu großartigem Food-Styling liegt darin, Requisiten zur Hand zu haben, die die Szene ergänzen. Wenn Sie vorhaben, viel im Studio zu drehen, sollten Sie einige interessante Requisiten sammeln, um Ihre Szenen aufzupeppen.
Zutaten für ein Rezept können als Requisiten sowie Geschirr und Geschirr verwendet werden. Menschen können auch als Requisiten fungieren. Denken Sie an die Hände, die an der Szene beteiligt sind, oder vielleicht an das Küchenpersonal, das mit einem Geschirr umgeht. Wenn Sie es verkleinern, um weiter zu schießen, können Sie diese Requisiten in die Komposition einbringen.
Die richtige Requisite kann einer Szene Kontext hinzufügen, wie eine Kanne Tee und Tassen neben einem Stück Kuchen. Requisiten können auch verwendet werden, um einer Szene, die das Hauptmotiv verschönert, sorgfältig bestimmte Farben hinzuzufügen.
10. Übernehmen Sie die volle Kontrolle
Was die Food-Fotografie so anders macht als andere Genres, ist der Grad an Kontrolle, den Sie über das Thema haben. Sie können fast alles tun, was Sie an der Szene mögen - Sie können es sogar essen! Es ist einfach, das Licht über eine Szene von der Größe eines Tisches zu steuern, verglichen mit der Aufnahme eines kompletten Studio-Sets oder dem Warten auf den Sonnenaufgang über einer Landschaft.
Essen muss keine Pose einnehmen oder einen Ausdruck liefern. es sitzt da und nimmt still die Aufmerksamkeit auf sich, ohne sich zu bewegen. Natürlich in Grenzen - seien Sie vorsichtig mit Eis, da es in wenigen Minuten schmelzen kann, wenn Sie nicht bereit für den Schuss sind.
Aufgrund des Umfangs und der unbelebten Natur der Lebensmittelfotografie haben Sie hervorragende Möglichkeiten zur Komposition. Es ist ein großartiges Genre, um die Verwendung von Farbe, Perspektive und Wiederholung zu erforschen.
Sie müssen nicht alle Farben des Regenbogens in einem einzigen Bild zusammenfassen. Versuchen Sie stattdessen, zunächst mit einer begrenzten Farbpalette zu arbeiten und Möglichkeiten zu finden, um Farben in der Szene zu wiederholen. Verwenden Sie mehr als ein Gericht für Ihr Styling und profitieren Sie dabei von größerem Umfang und größeren Ideen.
Ändern Sie Ihre Perspektive während der Aufnahme - probieren Sie die Ansicht von oben nach unten aus, und suchen Sie dann nach verschiedenen Blickwinkeln, die mehr oder weniger bestimmte Elemente sichtbar machen.
Die Food-Fotografie eignet sich für Tethered-Aufnahmen. Es ist eine gute Idee, im Studio oder vor Ort mit einem Laptop und einem Tether-Kabel zu arbeiten. Dies ist ein großer Vorteil gegenüber der Betrachtung nur vor der Kamera, da Sie ein viel besseres Feedback zu subtilen Variationen Ihrer Aufnahmen erhalten und genauer bestätigen können, wo Ihre geringe Schärfentiefe aufschlägt.
Die Klarheit eines großen Laptop-Bildschirms bietet Ihnen außerdem bessere Renderings Ihrer Kompositionen, einschließlich Ihrer bevorzugten Verarbeitungsbehandlung, wenn jedes Bild von der Kamera abrollt. Die Hauptregel ist jedoch, immer mit dem Licht zu beginnen - es spielt keine Rolle, wie interessant das Essen ist, wenn Sie kein gutes Licht haben. Streben Sie nach weichem, reichlich vorhandenem, abgewinkeltem Licht.
Wenn Sie Ihre Perspektive ändern, können Sie auch Ihren Lichtwinkel ändern. Wenn Sie beispielsweise Salz und Pfeffer hinzufügen, um ein Gericht zu würzen, können Sie durch Ändern Ihres Blickwinkels das Gefühl des Schusses optimieren.
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