Bild: Miles Aldridge
DCW: Abgesehen von der Umstellung auf Digital, wie hat sich die Fotografie seit Ihrem Start verändert?
MA: Viele Dinge haben sich geändert, seit ich zum ersten Mal eine Kamera aufgenommen habe, um ein professioneller Fotograf zu werden. Ich fotografiere immer noch auf Film, obwohl ich digital fotografieren werde, wenn es für einen bestimmten Kunden ein Deal-Breaker ist. Aber eine der größten Änderungen ist, dass ich viel weniger in der konventionellen Werbung arbeite, und ich glaube, dass dies aufgrund des Wachstums der sozialen Medien geschehen ist.
Die Kunden, die früher ihr Budget für große Fotoshootings ausgegeben haben, werden dies jetzt für eine Mischung aus diesen und sozialen Medien ausgeben. Ich denke, die meisten Leute würden zustimmen, dass die Investition in Werbefotografie - und ich riskiere hier eine Vermutung - nur etwa 10% von dem ist, was sie vor 20 Jahren war. Es ist eine ganz andere Landschaft.
Als ich anfing, waren die Magazine sehr lebhaft und aufregend. Vor dem Internet hatten Zeitschriften einen echten Würgegriff für den Verbraucher, und dies war eine der wichtigsten Möglichkeiten, um Ihre Botschaft zu vermitteln. Nachdem sich das Internet durchgesetzt hatte und den Kunden versprochen hatte, dass es ihre Zielgruppe fokussieren und sogar Feedback geben konnte, wie viele Personen ihre Anzeigen usw. angesehen hatten, wurde der Vorschlag einer Zeitschriftenwerbung immer weniger attraktiv. Natürlich haben Magazine alles getan, um Werbetreibende zurückzubekommen, und bieten immer günstigere Preise, wie ich mir vorstellen kann. Jetzt ist es nicht mehr der wichtigste Teil einer Werbekampagne.
Als ich anfing, war die Situation klar: Wenn Sie ein guter Redaktionsfotograf wären und viele Editorials für die richtigen Magazine - die Vogues usw. - machen würden, würden Sie viele Werbekampagnen zum Schießen bekommen. Und das Geld, das Sie mit Werbekampagnen verdient haben, könnte dann auch dafür ausgegeben werden, dass Ihre Editorials noch besser aussehen, da die Magazine die Fotografen nicht wirklich unterstützten. Es würde ein Grundbudget geben, aber wenn Sie etwas Besonderes tun wollten - wie ich es immer getan habe - müssten Sie es selbst bezahlen.
Diese Art von Dynamik war da, als ich anfing, und sie blieb so, bis sich das Internet etablierte. Wenn Sie ab Mitte der neunziger Jahre in Zeitschriften blättern, werden Sie feststellen, dass Werbung weitaus aggressiver, mutiger und ungewöhnlicher ist. Ich würde sogar künstlerisch sagen. Jetzt sehen alle Werbebilder so aus, als könnten sie von demselben Fotografen aufgenommen werden. Es gibt jetzt eine Art Grundvoraussetzung, nur das Outfit oder was auch immer zu fotografieren. Ich würde sagen, der Werbekunde hat kein wirkliches Interesse daran, etwas Künstlerisches zu haben.
Glauben Sie, dass es ein Element von Menschen gibt, die nicht mehr die gleichen Risiken eingehen wollen wie früher?
Nun, das können sie nicht. Ich denke, wenn die Branche voller Angst ist - eine Rezession nach der anderen oder das Versprechen des Internets, diesen Marken viel Geld zu geben - wird es ziemlich hohl. Die Befürchtung, dass dies die in diese Projekte investierten Personen anregt, lässt sie denken, dass es möglicherweise nicht funktioniert, sodass sie es besser nicht vermasseln und es sich daher nicht lohnt, etwas zu riskieren. Ich denke, wenn Sie sich in einer solchen Situation befinden, wird dies nur zu sehr, sehr langweiliger Arbeit führen. Also ja, um Ihre Frage zu beantworten, ich denke, die Leute haben Angst, riskante oder interessante Bilder zu machen.
Wenn Sie ungefähr 20 Jahre zurückgehen, war der Markt nicht so global wie jetzt, und das gleiche Image musste ein Publikum in Saudi-Arabien, Indien oder Afrika ansprechen. Wenn Ihr Publikum so groß ist, hat dies den Effekt, dass das vom visuellen Standpunkt aus akzeptable verwässert wird. Was wir oder ich in einem Bild vielleicht interessant finden, weil es sich auf einen Film oder ein Theater bezieht, in dem die kulturellen Bezüge sehr klar sind, wird beispielsweise von jemandem in Saudi-Arabien möglicherweise nicht verstanden und sie werden möglicherweise dadurch beleidigt. Werbetreibende müssen also in dem, was sie zeigen, ein vorsichtiges Spiel spielen.
"Ich denke, die Leute haben Angst, riskante oder interessante Bilder zu machen."
Miles Aldridge
Eines der Dinge, die sich wirklich geändert haben, seit ich mit dem Fotografieren angefangen habe, ist, dass Werbefotografie wirklich uninteressant geworden ist. Als ich anfing, waren bestimmte Modelabels wie Jil Sander das absolute Ziel. Jil Sander wurde als die Sixtinische Kapelle der Modefotografie angesehen, die jeder Fotograf haben wollte. Ich denke nicht, dass es eine herausragende Modewerbekampagne gibt, die ein Fotograf heutzutage für lohnenswert hält, obwohl Gucci immer noch ziemlich gut aussieht, um fair zu sein.
Du hast die Sterne von fotografiert Game of Thrones für das TIME Magazin vor kurzem. Wie kam es dazu? Dies unterscheidet sich erheblich von dem, wofür Sie bekannt sind. Haben Sie das getan, als Reaktion darauf, dass sich die Branche in irgendeiner Weise verändert hat?
Ich habe in meiner Karriere zeitweise Bilder in der gleichen Art gemacht. Es gab ein Bild, das ich 2008 Like a Painting für die italienische Vogue nannte und das von einem Renaissance-Maler namens Pisanello inspiriert wurde. Das Game Of Thrones-Projekt im Jahr 2017 wurde hauptsächlich von einem Maler der nördlichen Renaissance namens Lucas Crannach inspiriert, aber auch leicht von Albrecht Dürer, dem anderen großen Maler der nördlichen Renaissance. Ich kann mich von Filmen, Büchern und Gemälden inspirieren lassen und bin ein Liebhaber der Kunstgeschichte. Wenn es inspirierend ist, nehme ich gerne eine Referenz von etwas, das 500 oder mehr Jahre alt ist. Ich denke, es ist immer wichtig, einen Miles Aldridge-Dreh zu machen, damit ich nie nur eine direkte Fotokopie eines Gemäldes machen möchte - ich denke nicht, dass das interessant ist. Ich bringe immer gerne ein Element meiner bekannteren Arbeit dazu, auch wenn es eine alte oder antike Referenz hat.
Beim Game Of Thrones-Shooting habe ich sehr hart mit dem Bühnenbildner zusammengearbeitet, um Mohnstoffe mit einer breiteren Farbpalette zu erhalten, die diesen historischen Bildern eine moderne Note verleihen. Da es sich bei GOT um Fantasy und Fiktion handelt, die auf diesem Paralleluniversum basieren, habe ich versucht, mir eine Möglichkeit zu überlegen, Porträts sowohl einzeln als auch als Gruppenaufnahmen zu erstellen, die sich auf das beziehen, worum es bei GOT geht, aber auch etwas anderes hinzuzufügen. Binden Sie es also an diese Tradition der nördlichen Renaissance dieser sehr einfachen Porträts mit einem symbolischen Element wie einer Blume oder einem Stück Obst. Es gibt zum Beispiel ein sehr berühmtes Gemälde von Leonardo da Vinci von einem Mädchen, das ein Wiesel hält.
"Wenn es inspirierend ist, nehme ich gerne eine Referenz von etwas, das 500 oder mehr Jahre alt ist."
Miles Aldridge
Das waren die Regeln, solange ich sie übernahm, konnte ich das Bild mit meiner charakteristischen Beleuchtung, Farbe und Klarheit anpassen. Das war etwas, das ich mit diesen Künstlern teile: Sie hatten ein obsessives Auge, um Details aufzuzeichnen. Die Art und Weise, wie ich beleuchte und wie ich meine Kamera benutze, bedeutet, dass ich eine außergewöhnliche Menge an Details einfange, ähnlich einem Gemälde der nördlichen Renaissance aus dieser Zeit.
Würden Sie sagen, dass Gemälde mehr Einfluss auf Sie haben als die Werke anderer Fotografen?
Ich bin sicherlich von anderen Fotografen wie Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn und Richard Avedon beeinflusst worden. Ich finde nicht nur das Bild, das sie gemacht haben, interessant, sondern auch die Art und Weise, wie ihre Karriere zwischen der Arbeit für Magazine und persönlichen Projekten verschoben wurde. Avedon arbeitete an Ausstellungen und Büchern, Newton und Bourdain auch. Avedon hat auch viel politische Arbeit geleistet. Ich finde ihre Karrieren inspirierend und einige ihrer Bilder sind wirklich erstaunlich, aber ich denke, wenn Sie sich nur von anderen Fotografen inspirieren lassen, werden Sie mit diesem Ansatz wahrscheinlich nur wenig Erfolg haben.
Anstatt immer Fotograf zu sein, wollte ich immer Filmemacher oder Regisseur werden, und ich war immer sehr inspiriert von den Bildern, die ich im Kino sehen konnte. Als ich die Chance bekam, Fotograf zu werden, obwohl ich andere Fotografen als einige meiner Helden hatte, war ich sehr aufgeregt, dass ich auch Bilder machen konnte, die sich wie Standbilder aus den Filmen anfühlten, die ich liebte. Oder ein Mashup zwischen einer Vogue-Kopie und einem Film, wie ein Film, aber das Model würde etwas tragen, das für das Magazin wichtig war, und das Ganze zusammen wurde etwas Neues. Und das ist wahrscheinlich der Grund, warum Interesse an meiner Arbeit besteht, weil sie sich nicht nur auf andere Fotografen in der Vergangenheit, die Renaissance oder sogar nur auf das Kino bezieht. Ich habe einen elsterartigen Verstand, sehe etwas an einem Ort und etwas anderes von einem anderen und baue dann ein Bild auf, das persönlich ist, aber auch auf andere Dinge verweist, die mich interessieren.
Ich weiß, dass Sie zum Thema Filmemachen in der Vergangenheit einige Musikvideos gedreht haben. Ist das etwas, von dem du dir mehr vorstellst? Oder vielleicht in Spielfilme umziehen?
"Als ich die Chance bekam, Fotograf zu werden … war ich sehr aufgeregt, dass ich auch Bilder machen konnte, die sich wie Standbilder aus den Filmen anfühlten, die ich liebte."
Miles Aldridge
Ich würde niemals nie sagen, aber ich habe die Popvideos gemacht, bevor ich überhaupt eine Kamera aufgenommen habe. Das ist also wahrscheinlich vor ungefähr 25 Jahren. Ich hatte großes Glück, dass ich in diese Karriere hineingefallen bin, und ich habe es ein paar Jahre lang getan. Ich war nicht sehr gut und die Leute waren sehr geduldig mit mir - sie ließen mich im Grunde mit einer Filmkamera herumspielen. Aber ich habe viel darüber gelernt. Ich habe viel über Baukästen und die Schaffung dieser filmischen Räume gelernt. Ich habe etwas über Beleuchtung gelernt, indem ich mit Kameramännern gesprochen habe, mit denen ich gearbeitet habe. Ich habe auch gelernt, wie man eine große Gruppe von Menschen verwaltet, ein großes Set für ein großes Shooting. Die meisten dieser Videos hatten ungefähr 30 Leute, die unterschiedliche Aufgaben erledigten, und bei meinen Aufnahmen gibt es jetzt wahrscheinlich eine ähnliche Anzahl von Leuten. Es ist immer eine ziemliche Produktion.
Ich denke, es war sehr hilfreich, mich zu fragen, ob ich wirklich Filmemacher werden wollte, weil ich es wirklich schwierig fand, das Bild zu signieren, wenn ich Popvideos machte. Als Fotograf hatte ich das Gefühl, ich könnte etwas tun, wo ich es wirklich unterschrieben hatte, als wäre es mein Bild. Ich denke, Filmemachen ist ein viel kollaborativerer Prozess. Man muss wirklich mit dem Kameramann als Regisseur zusammenarbeiten, und sie werden einen großen Einfluss darauf haben, wie alles aussieht. Sie müssen einen Teil Ihrer eigenen Ästhetik loslassen. Da ich das zuerst tat und es als ziemlich schwierig empfand, als ich zur Fotografie kam, wo ich im Wesentlichen gleichzeitig Regisseur, Produzent und Kameramann war, hatte ich das Gefühl, diese Autonomie zu haben, die ich vorher nicht hatte .
Mir hat auch gefallen, wie die Fotos angesehen wurden, womit ich in einer Zeitschrift meine. Als ich anfing, mehr zu arbeiten, wurden sie in Bücher und Galerien aufgenommen, und jetzt sind sie sogar in Museen. Und das gefiel mir im Vergleich zu einem Pop-Video, das damals nur im Fernsehen zu sehen war. Jetzt würden Sie es auf YouTube sehen, vielleicht auf Ihrem iPhone. Für mich war das Endergebnis etwas, an dem ich interessiert war. Ich war sehr glücklich, etwas zu tun, das einen Druck erzeugte, etwas, das von Dauer war, etwas, das schöner anzusehen war als auf einem Fernsehbildschirm oder einem iPhone, von dem ich denke, dass es ein unangenehme Art, Dinge zu sehen.
In diesem Punkt wäre ich interessiert, wenn es einen Künstler gäbe, den ich mag und der ein Popvideo haben möchte und der die Freiheit hat, kreativ zu sein. Aber genau wie bei all diesen anderen Dingen, über die wir sprechen, hat die Musikindustrie meiner Meinung nach finanziell den Mut herausgerissen, also würden Sie kämpfen.
Sie werden dieses Jahr auf der Photography Show sprechen. Was hast du geplant?
Ich spiele immer noch mit dem, was ich diskutieren möchte, aber ich habe es "Farbe von Miles Aldridge" genannt. Ich denke, Farbe ist ein unendlich faszinierendes Thema in der Fotografie. Ich liebe es, alte Fotobücher und Magazine zu sammeln und zu sehen, wie sich die Farben in verschiedenen Filmbeständen im Laufe der Geschichte der Fotografie entwickelt haben.
"Ich denke, wenn Sie sich nur von anderen Fotografen inspirieren lassen, werden Sie mit diesem Ansatz wahrscheinlich nur wenig Erfolg haben."
Miles Aldridge
Der naheliegende Punkt hier ist Kodachrome. In den 1940er und 1950er Jahren und sogar in den 1960er Jahren war der Tonumfang dieses Films außergewöhnlich und es entstand ein Fleischton, der seitdem nur sehr schwer zu reproduzieren ist. Ich fotografiere auf farbnegativen Kodak-Filmen und versuche, sie in der Postproduktion zu verarbeiten, um die gleiche Qualität zu erzielen, die ich von diesen frühen Fotos geliebt habe.
Ich werde diskutieren, wie sich Farbe auf das Bild auswirkt und wie Farben in der Fotografie für mich funktionieren. Wenn ich zum Beispiel ein Motiv beleuchte, mag ich es sehr, ein Element von Blau oder Grün in die Schatten zu setzen, damit die Schatten eine Art Kühle und die Lichter etwas mehr Wärme haben. Ich werde also über solche subtilen Dinge sprechen und darüber, wie ein Farbblock einen unglaublichen Effekt auf das Bild haben kann, wenn er mit einem anderen zusammenstößt, und wie ich das in das Bild einbringe, indem ich mit meinen Bühnenbildnern zusammenarbeite. Künstler, Stylisten und Friseure vor dem Shooting. Zwischen uns arbeiten wir zusammen und erstellen eine Palette.
Ich male oft Aquarelle und mache auch Skizzen im Voraus, und damit kann ich mir vorstellen, wie sich ein Foto entwickeln wird. Je mehr ich das mache, desto mehr Vertrauen habe ich in das Shooting, dass die Farben zusammenhalten und eine gute Ästhetik ergeben. Ich möchte nicht einfach etwas tun, das sich sicher und schön anfühlt. Ich würde viel lieber ein paar weitere Farben hinzufügen und eine destabilisiertere Palette erstellen. Das ist es, was ich versuche zu bekommen, etwas, das auf den ersten Blick vielleicht etwas zu viel ist, aber wenn Sie damit arbeiten, können Sie es orchestrieren und so komponieren, dass einige der Farben, an die Sie nicht gedacht haben könnte arbeiten am Ende arbeiten. Ich denke, so entstehen moderne Bilder.
Ich bin mir immer der Vergangenheit bewusst, ob es sich um ein Renaissance-Gemälde von vor fünfhundert Jahren oder einen David Lynch-Film aus den 1980er Jahren handelt. Ich habe einen großen Katalog visueller Referenzen, aber diese bringen Sie nur so weit - ich denke, Sie müssen wirklich experimentieren. Sie können bis zu einem gewissen Grad im Fotostudio experimentieren, aber wenn Sie mit weiteren 30 Personen in einem Studio sind, möchten Sie nicht, dass alle auf Sie warten. Also versuche ich viel davon im Voraus selbst zu machen.
Würden Sie sagen, dass Ihr Vortrag für jemanden von größerem Nutzen ist, der Porträts macht und ein besseres Verständnis der Farbe erlangen möchte? Vielleicht jemand, der experimentieren und kreative Risiken eingehen möchte?
Vielleicht ja. Natürlich denke ich, dass das Gespräch Leute ansprechen wird, die meine Arbeit mögen. Ich bin mir nicht sicher, wie ich sie in Bezug auf ihre eigene Karriere beeinflussen kann - es liegt wirklich an ihnen, etwas von meiner Arbeit zu nehmen, genauso wie ich Stücke von Avedon und Newton und so weiter genommen habe. Hoffentlich gibt es dort auch einige gute Geschichten. Meine Karriere war ein langes interessantes Rendezvous mit verschiedenen Menschen, die versuchten, Dinge geschehen zu lassen. Das Ganze hat viel Spaß gemacht, aber es wird nicht im luftleeren Raum gemacht. Es wird mit vielen anderen Menschen gemacht.
Ich denke, viele Leute schätzen nicht unbedingt die Armee von Menschen, die dahinter stehen, dass dieses Image funktioniert. Sie sehen nur den Namen des Fotografen und betrachten ihn als ihren.
Möglicherweise ja. Am Ende des Tages muss der Fotograf es abzeichnen. Es ist eine gemeinsame Anstrengung und ihre Arbeit wird sehr geschätzt, aber es ist der Fotograf, der sie abzeichnen muss und der von den Talenten des Fotografen lebt oder stirbt.
Welches Kit verwenden Sie normalerweise?
Ich fotografiere fast ausschließlich mit einer Rolleiflex 6008 Kamera. Die Objektive, die ich normalerweise mit dieser Kamera verwende, sind ein 90-mm-Objektiv, das mein Lieblingsobjektiv ist, und es gibt ein 120-mm-Objektiv, das ich auch häufig verwende. Das sind die beiden, die ich hauptsächlich benutze. Ich benutze auch ein 180-mm-Objektiv, wenn ich mehr hineingezoomt werden muss, und ich gehe wahrscheinlich so weit wie ein 50-mm-Objektiv.
Ich fotografiere mit Broncolor-Beleuchtung und alles ist Blitz. Ich mag den Flooter, den sie (oben) machen, eine Version eines Hollywood Frenel.
Ich fotografiere auf einem Kodak Ektar 100 ASA-Film. Ich fotografiere nicht so viel digital, aber wenn ich das mache, neige ich dazu, auf einer Leica S mit einigen erstklassigen Objektiven zu fotografieren. Ich finde, die Leica haben eine bessere filmische Wiedergabe als die anderen Marken.
Miles Aldridge wird am 20. März auf der Photography Show sprechen. Klicken Sie hier, um weitere Informationen zu erhalten und Tickets zu buchen
